Femme en pleurs (Mujer llorando) 1937. Pablo Picasso.

Femme en pleurs (Mujer llorando) 1937. Pablo Picasso. 

Oleo sobre lienzo. 61x50 cm. 

Tate Modern. Londres

Autorretrato. 1938. Pablo Picasso.
Carboncillo y lápiz sobre lienzo

Este cuadro

Se ve una mujer con el rostro salvajemente distorsionado.

Sus rasgos están alterados y desmenuzados en formas recortadas.

El contraste de amarillos y verdes crea discordancia y sugiere carne putrefacta.

La mujer muerde un pañuelo que aprieta fuertemente con la mano. El pañuelo tiene formas rígidas y encrespadas.

Toda la imagen transmite crueldad, desgarro, confusión.

Se trata de un retrato de su entonces compañera y gran figura del surrealismo Dora Maar.

Pertenece a una serie comúnmente conocida como "mujeres llorando". 

La serie está formada por un conjunto obras en técnicas variadas donde Picasso explora el tema de la madre doliente y la mujer llorando.

La serie se inicia con los bocetos previos al Guernica y está formada también por los postscriptos (obras posteriores al mural y relacionadas con él). 

Origen en el mural Guernica

Guernica. 1937. Pablo Picasso.
Óleo sobre lienzo. 349,3 x 776,6 cm.
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid.

En enero de 1937 el gobierno de la República había encargado a Picasso un gran cuadro para el Pabellón de España en la Exposición Internacional de las Artes y las Técnicas que debía celebrarse en París aquel mismo verano. 

El 26 de abril, el comandante alemán Wolfram von Richtofen a la cabeza de la Legión Cóndor -durante la guerra civil española, Alemania era aliada del general Franco- efectúa un bombardeo sobre la ciudad vasca de Guernica. Debido a este bombardeo y a un gravísimo incendio posterior la ciudad quedó devastada. 

El artista, afincado en Francia, que llevaba meses buscando un tema para el mural se decidió por este terrible acontecimiento aleccionado por Dora Maar. Fué precisamente la artista quien le indujo a pintar el cuadro. 

Ella, que en aquellos momentos pertenecía al grupo Contre-Attaque "insistía en que Picasso se comprometiera más con el bando republicano (...) le decía que tenía que posicionarse" (Victoria Combalía, Dora Maar. Ed. Circe)

Victoria Combalía Dexeus (Barcelona, 1952)

 Historiadora y crítica de arte

española.

    Contre-Attaque: Movimiento fundado por el novelista, dramaturgo y filósofo francés Georges Bataille. Estuvo conformado sobre todo por surrealistas y seguidores suyos. “Una de las últimas y más significativas reacciones de la ultraizquierda intelectual francesa antes de la Segunda Guerra mundial” (Michel Suyra -biógrafo de Bataille-). Su surgimiento estuvo motivado, por la intención de “...contribuir a un desarrollo brusco de la ofensiva revolucionaria.” (Bataille, 1970). 

Pablo Picasso comenzó a trabajar en los bocetos del Guernica el 1 de mayo de 1937. el 4 de junio el cuadro estaba instalado en el Pabellón Español.

Reportage sur l'évolution de «Guernica» 

(mayo-junio 1937, París)

La fotógrafa Dora Maar reflejó todo el proceso de creación en un trabajo documental de valor incalculable que puede verse en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Un total de veintiocho fotografías que muestran las diferentes fases de ejecución del cuadro.

A pesar de las malas condiciones de luz y espacio consiguió dar fuerza a las imágenes mediante métodos de retoque fotográfico, internegativos y copias de impresiones.  

A continuación, tres imágenes del proceso.

Dora Maar. Reportage sur l'évolution de «Guernica» (Reportaje sobre la evolución de «Guernica»). Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

Guernica. Detalle

La "madre dolorosa"

Los bocetos y estudios que el artista hizo para "ella" son el inicio de la serie de la que forma parte Femme en pleurs.

A la izquierda del mural aparece una madre sosteniendo a su hijo muerto. Ella echa la cabeza hacia atrás en un grito de angustia con los rasgos deformados, mientras que el niño yace con el rostro exangüe. El daño sufrido deja al hijo flácido y a la madre congelada en una mueca monstruosa.

Ruthven Campbell Todd (1914-1978)
Poeta, artista y novelista escocés.

“La mujer llora eternamente como si 

sus lágrimas fueran a arrastrar la sangre y las extremidades rotas”

(Ruthven Todd, “For Pablo Picasso. The Drawins for Guernica”,1939)

Bocetos preparatorios y Postscriptos para madre dolorosa y mujer llorando

Pueden verse en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.  

Las lágrimas que surcan los rostros y el pañuelo son dos motivos nuevos en éstas representaciones.

Cuando usa tonalidades vivas, éstas contribuyen a resaltar el dramatismo de la escena.

Cuando usa monocromía, se acentúa el carácter abstracto de la realidad, transformando un hecho concreto en arquetipo universal. 

Su cubismo se va tornando quizá más pesado y afilado.

El trazo geométrico y la deconstrucción de volúmenes, propias del cubismo, hacen más poderosas a las expresiones del dolor. 

La mujer llorosa tiene, en definitiva, múltiples asociaciones oníricas con la guerra, el dolor y el placer sádico.

 Preparatorios y pruebas  

Postscriptos

Las composiciones realizadas por el artista una vez concluido el Guernica son conocidas genéricamente como postscriptos, es decir, realizaciones posteriores a Guernica, pero ligadas formal y conceptualmente al lienzo.

Cabeza de mujer llorando con pañuelo (III) Postscripto de Guernica, 1937.
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Algunas fuentes de inspiración

Cristo muerto, h.1480. Andrea Mantegna 
Temple sobre tela. 66 x 81 cm.
Pinacoteca de Brera

Piedad de Villeneuve-lès-Avignon. m. XV.
Enguerrand Quarton -Maestro de Avignon- 
Óleo sobre madera 163 x 219 cm. Louvre, Paris. 

El Acorazado Potemkim,1925

El acorazado Potemkin, famoso filme del cineasta ruso Eisenstein. Se estrenó en París en noviembre de 1926. Fotograma en el que la madre sostiene al hijo muerto en brazos, en la famosa secuencia de las escaleras del puerto de Odessa.

Serguéi Eisestein
(1898-1948)

Fotograma de El Acorazado Potemkim

Mil mujeres rotas, una sola modelo

Dora Maar (1907 - 1997), 
artista plástica, pintora, fotógrafa y escultora francesa.

"Para mí ella es la mujer que llora. Durante años la he pintado sufriendo, no por sadismo ni por placer; solo respondiendo a una visión que me forjé de ella, y que obedecía a una realidad profunda, no superficial". Pablo Picasso. 

Angela Carter, (1940-1992)
periodista y novelista británica

Últimas reflexiones

"A Picasso le gustaba cortar a las mujeres en pedazos".(Angela Carter).

Siri Hustvedt (1955)
novelista, ensayista y
poeta feminista estadounidense

Los biógrafos de Picasso han mostrado su misoginia y su sadismo desde distintos prismas, pero ninguno de ellos duda de que su miedo, crueldad y su ambivalencia se abrieron camino hasta sus lienzos. (Siri Hustvedt).

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Fuentes

https://historia-arte.com/obras/cabeza-de-mujer-llorando-iii

https://www.tate.org.uk/art/artworks/picasso-weeping-woman-t05010

https://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/cabeza-mujer-llorando-panuelo-iii-postscripto-guernica

VV.AA., Picasso, Grandes maestros de la pintura, Altaya, Barcelona, 2001.

https://issuu.com/museoreinasofia/docs/picasso_piedad_terror_cas_baja
https://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/reportage-sur-levolution-guernica-reportaje-sobre-evolucion-guernica-11

http://picassomitologico.blogspot.com/2010/10/viii-los-postscriptos.html

ESTEBAN, P. (presenta), Picasso 1915-1973, Los grandes genios del arte contemporáneo -El siglo XX, Ediciones El Mundo.

HUSTVEDT, S. La mujer que mira a los hombres que miran a las mujeres. Seix Barral.

https://elpais.com/cultura/2017/05/25/babelia/1495710208_195845.html 

Despertar al alba, 1941. (Serie Constelaciones), Joan Miró

Despertar al alba, 1941.

Joan Miró. 

Temple sobre papel, 46 x 38 cm. 

Nueva York, colección particular

Lo que se ve: 

Un aparente caos de líneas, figuras y colores sin orden. 

El significado: 

Esta obra pertenece a una serie llamada Constelaciones formada por 23 cuadros pintados entre 1940 y 1941.

Para entender un poco la pintura de este artista...

Una pintura caracterizada por una absoluta falta de censuras, evita incluso atribuir significados simbólicos a las imágenes porque las justificaría, y la justificación es una censura. 

Giulio Carlo Argan

Delante de un cuadro de Miró nos paramos como delante de un precipicio, mirar adquiere un valor en sí. 

Cesare Brandy

El arte de Miró es cándido y autoritario a un tiempo; ausente y distraído como un juego infantil pero dueño de sí mismo como todo arte. 

Werner Schmalenbach.

 Aunque quizá a primera vista no lo parezca, tras cada cuadro hay un articulado proceso de preparación, de trabajo metódico y paciente.

Miró, en constante búsqueda y evolución, luchó por renovarse toda su vida con método y disciplina y sin traicionar nunca su estilo. Cada peldaño en esta evolución es la base de la construcción del siguiente en una armonía continuamente renovada e incesante. 

La Guerra Civil (1936-1939) afectó a Miró profundamente, creando un sentimiento de desgarro que plasma en sus “cuadros salvajes”, un grupo de obras llamadas de “realismo trágico”que representan figuras aullantes, generadas por sus sentimientos de impotencia y aflicción, que se debaten en la agonía.

Cabeza de mujer, 1938. Joan Miró. 

Óleo sobre lienzo. 46 x 55 cm. 

Los Ángeles. Winston Collection.

Tras esta culminación de su desesperación comienza a desarrollar una búsqueda que desembocará en un nuevo proyecto expresivo: las Constelaciones. La emoción negativa ahora la transforma en un lenguaje poético sorprendente, una especie de diálogo con el cielo a la escucha. Aúna su armonía discreta con una efervescencia que es su válvula de escape.

“Sentía un profundo deseo de evasión. Me encerraba libremente en mí mismo. La noche, la música y las estrellas empezaron a tener un papel cada vez más importante en mis cuadros” (Joan Miró).

El inconsciente ha encontrado el camino para expresarse con absoluta libertad dejando espacio a un automatismo de la escritura que aprovecha los accidentes de la materia. Se vale de la técnica surrealista que prevé el libre fluir de las imágenes.

Automatismo: método para producir pinturas o dibujos, según el cual el artista suprime el control consciente de los movimientos de la mano, dejando que la mente, liberada, actúe.

Símbolos y figuras: Hay una proximidad a los dibujos prehistóricos del paleolítico, usa un lenguaje cada vez más cercano a los ideogramas. 

Ideograma: Signo gráfico que representa un concepto o idea de forma sintética. Los símbolos matemáticos o musicales, los kanji japoneses...

Arabescos, música y tonos alcanzan en este lienzo una extraordinaria armonía y riqueza.

Hay un empeño en vencer la resistencia de las cosas y obligarlas a transformarse en signos. Mujeres, pájaros y estrellas flotan sin puntos de apoyo y se asoman entre estrellas y medias lunas. El tema del pájaro, que aparece en esta época,  recorre espacios ilimitados siguiendo trayectorias libres e imprevisibles. Los demás personajes se hacen indescifrables aumentando la connotación poética.

En esta obra, el color del fondo sugiere el despertar por la mañana con sus delicados pero intensos esfumados.

La música, que está presente en sus lienzos desde siempre, tiene un papel determinante en esta serie. 

La musicalidad hace correr los signos sobre el lienzo. La tesitura musical se desarrolla con extrema fluidez sobre la transparencia de la superficie pictórica. Para él había una analogía entre una nota musical y un toque de pincel.

Después de trabajar en el taller, por las tardes iba a leer poesía y escuchar música, de Bach, Mozart, Vivaldi… Miró decía que era mirar el cielo y ver una orquestación sinfónica de Haydn. 

Rimbaud a los 18 años (1872)

Diego Masson (1935, Tossa de Mar) director
y compositor, hijo del pintor surrealista
francés André Masson.

Hay un texto del poeta francés Arthur Rimbaud que habla de que la música atraviesa el cielo. También hay una confesión de Diego Masson, que decía que cuando Miró veía las Constelaciones no veía un cuadro, escuchaba música. 

En esta serie aumenta el poder de evocación, el cielo convertido en un lugar para la inmensidad fundida con las estrellas y la música.  El apego al tema del cielo recuerda al Miró que leía a Walt Whitman:

 “Y sobre todo el cielo, ¡el cielo! Lejanas, remotísimas, en ramilletes, asoman las estrellas eternas”.

Walt Whitman (1819 -1892) fue un poeta y ensayista estadounidense.

“Miró digería la música y la poesía (…) durante el proceso del sueño, a través del subconsciente colectivo (…). Esas figuraciones oníricas nacían de dejar reposar en su alma toda esa influencia poético-musical que había escuchado y leído la noche anterior”. 

Joan Punyet Miró, nieto del pintor.

Fuentes:

ROMANO, E. (dir.), Miró. Los grandes genios del arte contemporáneo. El Siglo XX. 4 Biblioteca El Mundo. Milán, 2004. 

https://www.diariodemallorca.es/cultura/2017/06/15/joan-punyet-miro-ves-cuadro/1224227.html

  

NOCHE DE FRÍO ESPESO

 Noche de frío espeso,1954
Aurelio Suárez
Óleo sobre lienzo, 38 x 46 cm.
Museo de Bellas Artes de Asturias

Aurelio Leonardo Suárez Fernández
(Gijón, 1903-2010)

Lo que vemos:

Un paisaje nevado, habitado por una pareja de seres imaginarios, uno está sentado en un interior calentándose en un fuego mientras que el otro se acerca desde el exterior con un ramo de flores en las manos. 

El interior es a la vez una especie de choza y un rostro que contempla la escena. Una luna de forma ovoide preside el cielo nocturno. Un millar de puntos blancos sugiere tanto el espesor de la nevada como el de un firmamento cuajado de estrellas.

Un profundo silencio se apodera de toda la obra. Todo está quieto, tranquilo. El tiempo parece haberse detenido.

Un significado:

Ambos personajes están concebidos con gran imaginación, a mitad de camino entre lo fantástico, lo animal y lo humano, y son representantes de un principio masculino y otro femenino.

La figura femenina, sonriente y protegida por un tocado en forma de pechos de mujer, parece portar como regalo las dos flores del ramillete que repiten la forma de los pechos. Aurelio carga en ese personaje femenino toda la fuerza positiva que transmite este óleo.

Hay un juego de contraposiciones:    

- naturaleza frente al interior doméstico.

- masculino frente a femenino.

- calidez del refugio frente a la frialdad del azul nocturno y la gélida blancura del campo.

- vida (sugerida por el interior cálido y habitado) frente a muerte o más bien vida suspendida (reflejada por el exterior nevado).

Siguiendo con el juego de contraposiciones hay un ritmo cruzado que une dos diagonales opuestas:

- la figura femenina y la luna-huevo del cuadrante superior izquierdo (el principio femenino, activo, positivo).

- la figura masculina, pasiva, aparentemente triste y coronada por una piedra inerte, y el árbol seco del cuadrante superior derecho.

La choza antropomórfica es una hibridación entre objeto y ser animado característicamente surrealista.

La luna tiene forma de huevo: en la obra de Aurelio la figura del huevo es especialmente potente en cuanto a su simbolismo.  Icono de la potencia creadora de vida y de formas biológicas aún no desarrolladas, de una actividad secreta aún por manifestar. Origen y misterio de la vida. 

El paisaje es en conjunto un espacio imaginario, otra dimensión que tiene una poderosa carga de ensoñación.

La obra es deudora de la influencia del mundo fantástico de El Bosco y Brueghel el Viejo, en cuanto a su orientación onírica y simbólica pero sin la carga de violencia de éstos. Tanto en su formación artística como en la configuración de su universo iconográfico también contribuyeron maestros como  Giotto, Patinir, El Greco o Goya.

En los momentos de escribir esta entrada se ha publicado el siguiente artículo en La Nueva España: 

El hijo de Aurelio Suárez advierte: "Con una firma saco el legado de Asturias y no vuelve". 

Con esta contundencia se manifestó Gonzalo Suárez Pomeda, hijo del pintor Aurelio Suárez, durante la presentación de la tercera donación de pertenencias del pintor al Museo de Bellas Artes de Asturias (que tuvo lugar el pasado 7 de noviembre de 2018), respecto a su profundo descontento con los responsables de cultura del Principado por el trato que dan a la figura y obra de su padre. 

Y es que Aurelio Suárez  es "una de las figuras claves de la pintura española del siglo XX" (Alfonso Palacio, director del Museo de Bellas Artes de Asturias). Un artista que vivía entregado un mundo interior extraordinariamente fértil. Con una pintura tan personal que desborda el límite del surrealismo. Un pintor de pensamientos con una  gran capacidad técnica e inventiva, con una inagotable variedad temática e iconográfica que forman el singular universo del Aurelianismo.

Fuentes:

·        - FEAS COSTILLA, L. (coord.), Artistas Asturianos. Vol. III. Hércules Astur de Ediciones. Oviedo, 2002.

- https://www.aureliosuarez.es 

·    - http://www.museobbaa.com/obra/noche-de-frio-espeso/  - https://www.lne.es/sociedad/2018/11/08/museo-jovellanos-desprecia-obra-padre/2376758.html

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