jueves, 8 de noviembre de 2018

NOCHE DE FRÍO ESPESO

 Noche de frío espeso,1954
Aurelio Suárez
Óleo sobre lienzo, 38 x 46 cm.
Museo de Bellas Artes de Asturias

Aurelio Leonardo Suárez Fernández
(Gijón, 1903-2010)
Lo que vemos:

Un paisaje nevado, habitado por una pareja de seres imaginarios, uno está sentado en un interior calentándose en un fuego mientras que el otro se acerca desde el exterior con un ramo de flores en las manos. 
El interior es a la vez una especie de choza y un rostro que contempla la escena. Una luna de forma ovoide preside el cielo nocturno. Un millar de puntos blancos sugiere tanto el espesor de la nevada como el de un firmamento cuajado de estrellas.
Un profundo silencio se apodera de toda la obra. Todo está quieto, tranquilo. El tiempo parece haberse detenido.

Un significado:

Ambos personajes están concebidos con gran imaginación, a mitad de camino entre lo fantástico, lo animal y lo humano, y son representantes de un principio masculino y otro femenino.

La figura femenina, sonriente y protegida por un tocado en forma de pechos de mujer, parece portar como regalo las dos flores del ramillete que repiten la forma de los pechos. Aurelio carga en ese personaje femenino toda la fuerza positiva que transmite este óleo.

Hay un juego de contraposiciones:    
- naturaleza frente al interior doméstico.
- masculino frente a femenino.
- calidez del refugio frente a la frialdad del azul nocturno y la gélida blancura del campo.
- vida (sugerida por el interior cálido y habitado) frente a muerte o más bien vida suspendida (reflejada por el exterior nevado).

Siguiendo con el juego de contraposiciones hay un ritmo cruzado que une dos diagonales opuestas:
- la figura femenina y la luna-huevo del cuadrante superior izquierdo (el principio femenino, activo, positivo).
- la figura masculina, pasiva, aparentemente triste y coronada por una piedra inerte, y el árbol seco del cuadrante superior derecho.

La choza antropomórfica es una hibridación entre objeto y ser animado característicamente surrealista.

La luna tiene forma de huevo: en la obra de Aurelio la figura del huevo es especialmente potente en cuanto a su simbolismo.  Icono de la potencia creadora de vida y de formas biológicas aún no desarrolladas, de una actividad secreta aún por manifestar. Origen y misterio de la vida. 

El paisaje es en conjunto un espacio imaginario, otra dimensión que tiene una poderosa carga de ensoñación.

La obra es deudora de la influencia del mundo fantástico de El Bosco y Brueghel el Viejo, en cuanto a su orientación onírica y simbólica pero sin la carga de violencia de éstos. Tanto en su formación artística como en la configuración de su universo iconográfico también contribuyeron maestros como  Giotto, Patinir, El Greco o Goya.


En los momentos de escribir esta entrada se ha publicado el siguiente artículo en La Nueva España: 
El hijo de Aurelio Suárez advierte: "Con una firma saco el legado de Asturias y no vuelve". 
Con esta contundencia se manifestó Gonzalo Suárez Pomeda, hijo del pintor Aurelio Suárez, durante la presentación de la tercera donación de pertenencias del pintor al Museo de Bellas Artes de Asturias (que tuvo lugar el pasado 7 de noviembre de 2018), respecto a su profundo descontento con los responsables de cultura del Principado por el trato que dan a la figura y obra de su padre. 

Y es que Aurelio Suárez  es "una de las figuras claves de la pintura española del siglo XX" (Alfonso Palacio, director del Museo de Bellas Artes de Asturias). Un artista que vivía entregado un mundo interior extraordinariamente fértil. Con una pintura tan personal que desborda el límite del surrealismo. Un pintor de pensamientos con una  gran capacidad técnica e inventiva, con una inagotable variedad temática e iconográfica que forman el singular universo del Aurelianismo.

Fuentes:

·        - FEAS COSTILLA, L. (coord.), Artistas Asturianos. Vol. III. Hércules Astur de Ediciones. Oviedo, 2002.
- https://www.aureliosuarez.es 
·    - http://www.museobbaa.com/obra/noche-de-frio-espeso/  - https://www.lne.es/sociedad/2018/11/08/museo-jovellanos-desprecia-obra-padre/2376758.html

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viernes, 10 de marzo de 2017

Retrato - Peintre, 1975. Eduardo Arroyo.

Retrato - Peintre, 1975. Eduardo Arroyo. 
Collage. 80 x 60 cm. Colección “La Caixa”.
Eduardo Arroyo 
(Madrid, 26 Febrero 1937)

Autorretrato, 2011. Eduardo Arroyo.

Con motivo del 80 cumpleaños de Eduardo Arroyo, el pasado 26 de febrero; y coincidiendo con su participación en la última edición de ARCO (con Radio Londres, obra expuesta por la galería Álvaro Alcázar, de Madrid), traigo Retrato - Peintre.

Lo que vemos:

Un retrato anónimo sobre un fondo neutro. 
Un hombre elegantemente vestido, con traje, corbata y sombrero, que tiene la cara cubierta por manchas de colores.
Los colores son planos y brillantes. 
Es totalmente plano, la única sugerencia de profundidad está en los brillos del sombrero y la sombra en el hombro derecho.

El significado:

Pertenece a una serie titulada "Los pintores ciegos", con la que expresa su visión del oficio del pintor.

El artista es un hombre con traje y sombrero (un burgués o un gangster). Tiene manchas de pintura en el rostro (y las manos). La cabeza y manos son los instrumentos con los que trabaja el pintor (ejercicio mental y manual). Este pintor está cegado por la pintura, sólo ve colores.

Los colores planos y vibrantes, sin perspectiva ni profundidad, con mezcla de técnicas (collage, pintura....), responden a una estética pop.

Arte Pop: surge a partir de imágenes de la cultura popular y de la sociedad de consumo. Sus principales característica formales son la apropiación y reinterpretación de imágenes procedentes de medios diversos (prensa, publicidad, cómic, cine, televisión, historia del arte...), la estructuración de las obras en series y una paleta reducida de colores estridentes en tintas planas, además de la mezcla de técnicas. Este pop internacional irrumpe en España a comienzos de los sesenta, embebido de un sentido crítico con el marco social, político y cultural de las décadas finales del franquismo. En España esta corriente tuvo gran aceptación entre el público por sus formas sencillas y divertidas.

Arroyo forma parte del reducido número de artistas españoles que asimilaron el lenguaje pop norteamericano y europeo.

Otras obras de la serie...

1. Entre Pintores, 1975. 2. Pintor Ciego, 1976. 3. Parmi les peintres, 1982. Litografía.
(dimensiones adaptadas a la composición).

Arroyo también utiliza el recurso de la cara en mosaico para esta pintura: 

Guilles Aillaud 
(1928, París - 2005, París)

 Gilles Aillaud mira la realidad por un agujero 
al lado de un colega indiferente,1973. 
Eduardo Arroyo. Óleo sobre lienzo,114 x 146 cm. 
The Astrup Fearnley Collection, Oslo, Noruega.
Aquí, escenifica el retrato de su amigo artista Gilles Aillaud mostrando “el mirón pillado o la tentación de lo invisible”. Para ello elige una fotografía de Cartier-Bresson,Voyeurs-spectateurs, Bruxelles 1932. 

Voyeurs-spectateurs, Bruxelles 1932
(Mirones-espectadores, Bruselas 1932)
1932, Henri Cartier-Bresson. 

Henry Cartier-Bresson 
(1908, Chanteloup-en-Brie, Francia-2004, Céreste, Francia)

“…En cuanto a mí, no dudé en manipular una foto tomada por Cartier-Bresson en 1932, que retrata dos mirones plantados ante una lona sostenida por dos estacas. El personaje del segundo plano mira a través de una hendidura una escena que nosotros no podemos ver; en cambio el hombre del bombín mira hacia el objetivo. Este último hubiera podido ser la encarnación de Hércules Poirot, y yo le cubrí el rostro con manchas de colores. Al otro personaje lo pinté con los rasgos de mi amigo Gilles Aillaud. Todos nos convertimos en mirones cuando contemplamos la foto y al mismo tiempo pasamos a ser un elemento más del documento. Estamos todos en el cuadro de Henri Cartier-Bresson…” 
Eduardo Arroyo.

La anécdota es la base sobre la que se fundamenta su pintura. Con ella, pretende romper las convenciones y prototipos para que el espectador realice una lectura sin prejuicios de la realidad.

Retrato-Peintre formaba parte de la exposición Reflejos del Pop, Museo Carmen Thyssen Málaga, 2016. Aquí se puede hacer una visita virtual: http://www.carmenthyssenmalaga.org/exposiciones/2016/ReflejosPop/vv/visita_virtual.html

Fuentes:


viernes, 16 de diciembre de 2016

Grupo de Puteaux

Es un grupo de artistas y críticos relacionados con el cubismo que se reunían en el taller de los hermanos Duchamp en Puteaux, un suburbio de París.

 Hermanos Duchamp frente al taller de Puteaux, alrededor de 1910-1915. De izquierda a derecha: Jacques Villon, Raymond Duchamp-Villon y Marcel Duchamp.
Se formó en 1911 con ocasión de la muestra del Salón de los Independientes en la primavera de ese año. 

"Fue en la Exposición de los Independientes de París, cuando por primera vez el público tuvo la oportunidad de ver un conjunto de pinturas que no tenía aún ninguna etiqueta". (Albert Gleizes) 

Con ellos, el cubismo alcanza a un público amplio, ya que en aquella época Braque y Picasso exponían poco.


Integrantes: 
Jaques Villon
Raymond Duchamp-Villon
Marcel Duchamp
Guillaume Apollinaire
Robert Delaunay
Frantisek Kupka
Albert Gleizes 
Henri Le Fauconnier
Jean Metzinger
Francis Picabia
Fernand Léger 
Roger de La Fresnaye 
Georges Ribemont-Dessaignes
Alexander Calder
André Lothe
Marie Laurencin
Louis Marcoussis 
Alexander Archipenko 
Jeanne Rij-Rousseau

Este grupo se llama también Section d'Or (Sección de Oro) porque algunos de sus artistas habían recuperado para sus cuadros la sección áurea.

Sección áurea: sistema ideal de medidas y proporciones formulado en el Renacimiento por Luca Pacioli en su tratado La divina proporción, 1509, ilustrado por Leonardo da Vinci.


Luca Pacioli demostrando uno de los teoremas de Euclides
1495. Jacopo d´Barbari















Los integrantes de este grupo de Puteaux tenían inquietudes cubistas pero alejadas de la ortodoxia de Picasso y Braque. Pretendían crear una sólida teoría sobre el cubismo, un movimiento científico.

El primer manifiesto estético de la corriente es Del Cubismo, 1911, un ensayo realizado por Gleizes y Metzinger sobre los fundamentos del cubismo. 


En las primeras ediciones colaboraron numerosos artistas aportando grabados: Cezánne, Picasso, Derain, Braque, los mismos Metzinger y Gleizes, Léger, Duchamp, Gris y Picabia.


Sin título, Jean Metzinger.
Hombre con sombrero, Pablo Picasso.
















Fuentes:

Villalba, J. (dir.), Descubrir las vanguardias, Ed. Arlanza, Madrid, 2000.
Gutiérrez Burón, J., Las claves del cubismo, col. Las Claves del Arte, Ed. Planeta, Barcelona, 1990. 
Jiménez-Blanco, M.D., Cubismo y clasicismo: el lugar de Juan Gris en el relato cubista, El cubismo y los orígenes del arte del siglo XX en el Museo Thyssen-Bornemisza
VV.AA., Diccionario Akal del Arte del siglo XX, Ed. Akal, Madrid, 1997.
Peckler, A.M., Historia del Arte Universal de los siglos XIX y XX, vol.2, Ed. Complutense, Madrid, 2009.
http://www.descubrirelarte.es/2015/07/15/el-cubismo-de-gleizes-y-metzinger-en-la-juan-march.html 
http://www.uam.es/personal_pdi/ciencias/barcelo/pacioli/divina.html
http://mediation.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-futurisme2008/ENS-futurisme2008-07-section-or.html





miércoles, 23 de noviembre de 2016

Vasos, periódico y botella de vino, 1913. Juan Gris

Verres, journal et bouteille de vin, 1913. 
Juan Gris
Collage, lápiz de color, gouache y carboncillo sobre papel pegado a cartón.
45 x 29,5 cm.
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Depósito de la Colección Telefónica
.

José Victoriano González-Pérez  “Juan Gris”  
(Madrid, 1887- Boulogne-Villancourt, Francia, 1927).

 
Retrato de Juan Gris, 1915. Modigliani.

Lo que vemos:

Un bodegón sin perspectiva ni apenas profundidad.
El tema aparece dividido por líneas verticales. 
Los objetos representados están muy simplificados pero se distinguen bien: una botella, copas, platos, un periódico.

El significado:

Es un bodegón cubista en formato de collage vertical. 

Gris había inventado el año anterior un nuevo sistema compositivo basado en una estructura geométrica superpuesta al tema figurativo.

Esta estructura a base de diagonales, verticales y horizontales, simplifica al objeto para explicarlo de la manera más clara.

En este caso la armadura es vertical. Franjas verticales estructuran la composición y deforman los objetos. Aún así, éstos son reconocibles.

Esta disposición impide una atmósfera real donde proyectar luces y sombras o crear perspectivas.

Las columnas sugieren una extensión infinita tanto vertical como horizontalmente. 

Los objetos están enormemente “sintetizados”. 
Reducidos casi a signos agrupados de forma ambigua: por ejemplo, un círculo es la base de la botella, el plato y la abertura de la copa. La silueta de cada objeto basta para identificarlo con el conjunto.

Las palabras impresas basta que aparezcan para aludir a un periódico o a un telegrama o a una etiqueta de marca.

En la cabecera del periódico un fragmento ("Serv-") alude a los vasos y botellas que hay a su lado. Gris recupera así, con cierta irreverencia, la tradición simbolista de las naturalezas muertas hechas desde el barroco en donde los objetos tienen su mensaje.

Respecto a su sistema de armadura lineal, en esta otra obra vemos una estructura distinta, en abanico; donde las diagonales fragmentan la composición en planos de vivos colores. El rostro se encuentra fragmentado y desde distintos puntos de vista. 

El fumador, 1913, Juan Gris.

La obra Vasos, periódico y botella de vino, se puede visitar actualmente en el Museo de Bellas Artes de Asturias, formando parte de la exposición: Colección Cubista de Telefónica (hasta el 8 de enero de 2017).



Fuentes:

Jiménez-Blanco, M.D., Cubismo y clasicismo: el lugar de Juan Gris en el relato cubista,  El cubismo y los orígenes del arte del siglo XX en el Museo Thyssen-Bornemisza.
VV.AA., Gris, Los grandes genios del arte contemporáneo español - El s.XX,nº. 27, Ciro Ediciones, Barcelona, 2006.  
http://algargosarte.blogspot.com.es






miércoles, 26 de octubre de 2016

Pintura de Guerra, h. 1990. Tino Casal

Pintura de Guerra, h. 1990
Tino Casal
 Acrílico y óleo sobre lienzo 
146 x 115 cm.
Tino Casal 
Tudela Veguín, Oviedo, 1950 – Madrid, 1991
Retrato de Tino Casal, h. 1989-90
Fabio McNamara y Tino Casal

Esto es un homenaje a este gran artista. Con motivo del reciente 25 aniversario de su pérdida, el pasado 22 de septiembre...

Sobre el pintor Tino Casal:

La pintura fue la primera pasión de Tino Casal y el lugar al que siempre volvía.

En su adolescencia se formó en la Escuela de Artes y Oficios de Oviedo. Compaginaba su estudio en el taller del pintor Fernando Reguera con sus actividades musicales en el grupo “Los Zafiros Negros”.

Aunque Casal pintó desde siempre, fue en los 90 cuando se tomó un respiro de la música para centrarse de lleno en la pintura y la escultura, “su deuda pendiente”. Siguiendo una necesidad de expresarse por un medio más libre, más personal e íntimo.

Fue un pintor de vanguardia que trabajaba con seriedad y entrega. La imaginación portentosa que expresaba con la pintura y escultura complementaba perfectamente a la que transmitía con su música.

Sobre este cuadro:

Lo que se ve:

Un tema abstracto que representa dos grupos de círculos concéntricos semejantes a ondas en el agua. Uno de ellos es atravesado (o quizá salga de él hacia el espectador) por una línea de fuerza que parece moverse de forma vertiginosa con el resto de la composición. 

El significado:


Formaba parte de una exposición individual del artista: "Pinturas de Guerra", que arrancaba en la sala de arte Moncloa (Madrid) en abril de 1991.

El título de la exposición se explica porque establece una guerra con cada lienzo, como una pequeña batalla donde se enfrenta a él “hasta un momento que tienes que coger el mando y ganarla”.

Este cuadro pertenece a su fase pictórica de los 90, su época de plenitud plástica. Se la denomina “abstracción mágica”. 

Él habla de la relación de su pintura con la sonoridad. Se sugiere un cosmos sonoro que es transmitido a través del color.

Esto tiene que ver con la teoría de Kandinsky que vincula el sonido con la pintura. Que tiene también ecos en la pintura órfica de Delaunay.

Se califica a su pintura de esta época como emocional, orgánica y romántica; obsesionada por la creación de espacio en la superficie plana del lienzo.

Los cuadros de Tino Casal son hedonistas, pues cobra importancia el goce estético, en el sentido de disfrutar de lo que sentimos ante una obra, el valor que le demos en nuestro interior. 

Tiene ciertas resonancias del action painting del Expresionismo Abstracto, pues evita la planificación formal al modo del Tachismo y usa el dripping.

Action Painting es una técnica y estilo pictórico popularizado por Jackson Pollock, una forma de expresionismo abstracto que se caracteriza por una pintura gestual, que usa métodos como el dripping y el pouring  en la que se dejan caer gotas, salpicaduras y chorretones de pintura sobre el lienzo, que a menudo se encuentra extendido sobre el suelo.

El Tachisme es un estilo de pintura francés (h.1940) que, al igual que el expresionismo abstracto norteamericano, pretende ser completamente espontáneo e instintivo, pero característicamente es más elegante y menos agresivo.

El propio Casal considera su obra impregnada de neosicodelia. Quizá en el sentido de proyectar el mundo interior de la psique.

La representación adquiere un sentido mágico.

Esto guarda relación con una determinada tendencia vanguardista de los años 70 que algunos autores denominan "Mitología individual".

Mitología individual: idea que proviene de la crítica literaria del romanticismo.  Surge cuando un creador conforma su propia historia, su biografía a medida y crea su personaje yendo más allá del orden cronológico y de los datos biográficos.

A todo aquel que quiera conocer la verdadera figura de Tino Casal le recomiendo este documental, dirigido por Pep Navarro Asensio, que ganó el 3er Premio al Mejor Documental Musical en el Festival Musiclip 2013. 



Fuentes:

Fernández, A. (dir.), Tino Casal. Ut Musica, Pictura. Fundación Municipal de Cultura (Catálogo de la exposición celebrada en el Centro de Arte Moderno Ciudad de Oviedo. Oviedo, Enero 1993), 1993.
Moral, M., (4 septiembre 2014). Los colores de Tino Casal. El Comercio. Recuperado de http://www.elcomercio.es/gente-estilo/201409/04/colores-tino-casal-20140904002420-v.html